Los rebeldes de América Latina: Los artistas contemporáneos que deberías conocer

Independientemente de sus orígenes exactos, el arte latinoamericano ha hecho algunas de las contribuciones más significativas al mundo contemporáneo.

por Jeffrey Grunthaner

Se podría argumentar que la categoría de arte latinoamericano, tal y como la entendemos hoy en día, realmente surgió alrededor de la década de los setenta. Cualquiera que sea su origen exacto, ha sido evidente para los historiadores de arte, los conocedores y el público en general que por más de 50 años, los artistas de América Latina han hecho algunas de las contribuciones más significativas a las tradiciones del Conceptualismo, el Minimalismo y el Arte de la Interpretación. Las conmociones que comenzaron a surgir a finales de la década de los sesenta subyacen a las ondas de choque del arte latinoamericano contemporáneo, que tiende a centrarse en la alienación, la explotación y la fractura de las políticas de identidad que siguen a la estela del imperialismo occidental y de las dictaduras militares.

LATAM exhibition at Agora Gallery
La recepción de inauguración de la primera Competencia de arte contemporáneo de América Latina y su exposición en Agora Gallery, en diciembre de 2018

A partir de los primeros años, varios países latinoamericanos consolidaron su reputación en el mundo anglosajón con altas ventas en subastas y representación institucional. En 2002, por ejemplo, el Tate designó a Cuauhtémoc Medina como su primer curador asociado de arte latinoamericano. Alrededor del año 2004, como Emma Crichton-Miller señala en la revista online How to spend it, “el ingenioso y polifacético artista conceptual mexicano Gabriel Orozco” tuvo su primera exposición individual en la Serpentine Gallery. Hacia el 2019, las pinturas de Orozco en rojo, azul, blanco y dorado, su habilidoso homenaje a la abstracción geométrica, se venden regularmente en subastas a un precio de seis cifras, con una venta récord de 665.000 dólares para la obra Roto Spinal en Sotheby’s Nueva York en el 2013.

Si bien Orozco se destaca como uno de los principales artistas del continente, existen otros que merecen una mención especial en cualquier introducción al arte latinoamericano contemporáneo. A continuación, analizaremos algunos de los talentos establecidos y emergentes de la región, explorando los conceptos que conforman su práctica creativa e identificando algunas de sus obras más importantes.

Luiz Zerbini

Zerbini, uno de los artistas más importantes de la escena brasileña, crea efectos ópticos que invitan a la contemplación. Es un artista que multiplica constantemente las posibilidades formales relacionadas con su pintura y rechaza cualquier posible estancamiento de la fórmula establecida, lo que dificulta la definición de cualquier linealidad en su producción.

Zerbin entró en escena en un momento en que muchas personas, incluso artistas de América Latina, pensaban que la pintura estaba muerta. Con un renovado sentido del formalismo inspirado por los primeros pintores modernistas, y enriquecido por el legado del Conceptualismo, Zerbini ha llegado a hacer algunas de las pinturas más distintivas para lograr visibilidad global. También realiza trabajos de escultura, video, dibujo, fotografía y escritura. Una vez declaró en una entrevista con Conceptual Fine Arts: “Soy un tipo curioso… siempre en busca de cosas nuevas, de aliento. Soy una persona tranquila, pero mi trabajo es inquieto, tiene que serlo. Por eso me arriesgo tanto y cometo errores de vez en cuando”.

Gabriel Orozco

Gabriel Orozco, oriundo de México, apareció en la escena internacional en la década de 1990 con obras que incorporaban una multitud de medios diferentes, desde dibujos a instalaciones, pasando por fotografía y esculturas. Según el Guggenheim, “el vocabulario estético[de Orozco] se debe al Conceptualismo, las tradiciones artísticas de su México natal, y los readymades de Marcel Duchamp. El tema principal de Orozco es la frágil relación de los objetos cotidianos entre sí y con los seres humanos”.

Gabriel Orozco, Astroturf Constellation. Image credit: www.guggenheim.org

En sus primeras obras como Cinco problemas (1992), Orozco se deleitaba con el desplazamiento poético de los objetos. En esta obra en particular, cinco patatas de los cuadernos adquieren su extrañeza del hecho de ser de alguna manera más reales, más formadas que las páginas vacías de los cuadernos que no se han comprado y que están en un estante. El uso de objetos encontrados se convirtió en un elemento básico de la obra de Orozco a lo largo de la década de los 90, una tendencia que gradualmente dio paso a obras más formalistas en los primeros tiempos, inspiradas en parte por las tradiciones pictóricas asiáticas y en parte por los matices de la percepción cotidiana.

Obras más importantes: Cinco problemas (1992), Caballos corriendo al infinito (1995), Roto Spinal (2005).

Joiri Minaya

Joiri Minaya, un talento emergente, en sus propias palabras, se centra en la alteridad, la autoconciencia y el desplazamiento. “He realizado trabajos inspirados en las mujeres de mi familia, el trabajo, la dislocación, la psicología, el mito, la historia del arte, el realismo mágico y los símbolos”, escribe en su declaración artística. “Me interesa cómo las jerarquías históricas informan y condicionan las identidades actuales; cómo las construcciones se manifiestan a través del cuerpo: cómo se reciben, se interiorizan y luego se regurgitan a través de ello.” Minaya divide su tiempo entre los Estados Unidos y la República Dominicana (y también ha vivido en Bélgica) y es más consciente de la contingencia de su propia subjetividad. Al reflexionar sobre sus experiencias y viajes, su obra, como ella misma dice, “ha pasado de la identidad de manera íntima a examinar intercambios transnacionales y transculturales más amplios”.

LATAM artist
Untitled etchings (2016), Aguafuerte, tinta dorada sobre papel, 10 x 11 in. Fuente: su página web

 

La crítica de arte Wendy Vogel ha notado cómo Minaya “se basa en historias de arte, patrones, decoración y medios de comunicación en su trabajo, a menudo usando su propio cuerpo y experiencia personal como punto de referencia”. Desdibujar y despersonalizar el cuerpo de las mujeres, según Vogel, “es una imitación de cómo los turistas crean fetiches sobre los trópicos (y sus habitantes) como un lugar de ocio, naturaleza intacta y aventura sexual”. De esta manera, Minaya politiza la tradición conceptual que es la vida del arte latinoamericano.

Raura Oblitas

Oblitas utiliza la escultura de una manera casi simbólica, que muestra cómo los objetos familiares están grabados con signos de poder. El crítico de arte Max Hernández Calvo ha destacado de su obra, “al incorporar elementos simbólicos a la arquitectura que limitan nuestras posibilidades de desplazamiento, Raura Oblitas nos recuerda que nos enfrentamos a un orden total que va más allá de las instituciones en las que participamos: menos prisión que escuela, menos religión que cultura. Un orden que vive en nosotros como una lección que dejó una marca”.

Como es característico de la obra reciente de Oblitas, su instalación a gran escala Soldados del amor (2016) une la Iglesia, el ejército, la escuela y la prisión. Viendo estas instituciones disciplinarias como estructuras represivas que obligan a la sumisión contra nuestra voluntad, pone en escena una especie de “intervención” que utiliza la iconografía de la cruz cristiana contra sí misma. La alusión a la cruz indica crucifixión a través de diferentes tipos de escenarios éticos: escenarios en los que debemos elegir entre ir con el lóbrego curso del statu quo o trascender hacia algo mucho más difícil de realizar pero, en última instancia, mucho mejor.

José Carlos Martinat

La Galería Saatchi describe la obra de José Carlos Martinat como “en la interfaz entre el mundo real y el virtual”. Tomando como inspiración la arquitectura y el urbanismo en general, las obras de Martinat tienen una cualidad de construcción, como algo realizado a partir de un plano que, sin embargo, lleva los inimitables trazos de la mano del artista. A partir de una gran variedad de materiales (desde objetos encontrados hasta artilugios de construcción única, desde pintura en aerosol hasta pinturas más enrarecidas), Martinat siempre cuestiona nuestro sentido de pertenencia. Al difuminar la línea entre la percepción cotidiana y las formas de instalación propias del entorno de una galería, Martinat cuestiona la identidad misma, analizando el lugar que ocupan las artesanías prehispánicas y postcoloniales en relación con la construcción de la identidad y la tradición culturales latinoamericanas.

El arte en América Latina: Un legado de protesta

Aunque se encuentran separados por factores como la región, la edad y el medio preferido, muchos artistas latinoamericanos trabajan para revelar el valor político y crítico del arte. En lugar de enorgullecerse de recrear las virtudes del formalismo, que es lo que muchos artistas norteamericanos siguen haciendo, los mejores artistas que trabajan en la tradición latinoamericana tienen plena conciencia de que su trabajo puede servir de portavoz para todos aquellos que no la tienen. Tal vez por eso el conceptualismo es más valorado que el arte de representación.

¿Quieres mejorar tu carrera y establecer una presencia en Nueva York? Envíanos tu portafolio y tendrás la oportunidad de presentar tu trabajo a una amplia gama de coleccionistas y compradores de arte a nivel nacional e internacional. Visita nuestra página de Representación de la galería y promoción artística para obtener más información.

En las obras de un pintor como Luiz Zerbini, hay un aura no visual de protesta en torno a la obra, como si invitara a los espectadores a contemplar por primera vez un vecindario o un paisaje. Joiri Minaya, Raura Oblitas y José Carlos Martinat hacen algo parecido, utilizando materiales industriales, digitales o recuperados para protestar contra la desinformación y la traición política. Incluso Gabriel Orozco, cuyo trabajo reciente es probablemente el más “formalista” de los cinco artistas mencionados en este artículo, tiene su origen en un lugar de observación cotidiana. En sus primeras obras, y también en las obras por las que es conocido hoy, el aire de universalidad cosmopolita plantea un desafío a la estrechez del pensamiento provincial.

Agora Gallery patrocina la Competencia de Arte Contemporáneo de América Latina, una forma ideal para que los artistas latinoamericanos logren una valiosa exposición de sus obras y puedan presentar su talento a una audiencia internacional más amplia. También es una excelente oportunidad para fomentar su talento y desarrollar el currículo de un artista profesional exitoso. Con un distinguido panel de jurados y premios invaluables de más de $55,000 dólares. El Concurso Latinoamericano de Arte Contemporáneo es un evento imperdible. La convocatoria de 2019 comenzará el 12 de mayo con la inscripción de los primeros participantes.


Jeffrey Grunthaner es un escritor y curador radicado en Berlín, Alemania. Se han publicado artículos, reseñas, poemas y ensayos recientemente a través de Drag City Books, BOMB, American Art Catalogues, Folder y Hyperallergic. Entre sus proyectos recientes de curaduría se encuentra la serie de lectura y discusión Conversaciones sobre la poesía contemporánea en Hauser & Wirth, West 22nd Street.

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